Sergio Leone, cinema nipponico ed anime: questi elementi, tra estasi cinefile e prudenti ridimensionamenti, verranno in ogni caso ripetuti per descrivere Kill Bill.
Ed è un passo inevitabile, oltre che comprensibile: ogni singolo, splendido fotogramma trasuda di loro reminiscenze, si gonfia della loro linfa, ne porta addosso l’odore.
Combinando e disfacendo, Tarantino perfeziona la corsa alla de-strutturalizzazione ed alla contaminazione dei generi che più gli sono cari, iniziata con una già straordinaria padronanza del linguaggio nell’esordio di Le Iene.
Ed è una corsa che sembra aver raggiunto un punto d’arrivo, per l’equilibrio delle componenti che reggono la sua poetica ed il traguardo che tagliano: questo semplicissimo soggetto costruito sulla misura di una vendetta individuale, calibrato sui duelli dei samurai e dei cowboy ed infarcito di grafica da videogioco ed anime, si trasforma infatti in uno dei film più epici di tutti i tempi (bisogna tornare a C’era una volta il West per respirare qualcosa di simile), impreziosito da un’esplosione di densi contrasti coloristici, avvolgenti accostamenti musicali, richiami horror-thriller, eroismo e pathos allo stato puro.
E’ il film più complesso di Tarantino, sia dal punto di vista tecnico che estetico, un frullato impressionante di contaminazioni che però sgorgano in un’opera originale ed autonoma.
Kill Bill è probabilmente il canto del cigno di un’epoca cinematografica che ormai non esiste più.
La tendenza del cinema contemporaneo è infatti quella di ricreare con perfezione mondi irreali, ma verosimili, non più luoghi concreti e quotidiani, ma virtuali ed avvolgenti. Certo, il pensiero corre a Matrix, ma non dimentichiamo che la fantasia diventa verità da Guerre Stellari in poi, con in mezzo un cinema sempre più schiavo degli effetti speciali, volto ad arricchire la realtà di virtuosismi, sempre meno aderente al vero e sempre più vicino ad un videogioco: The Fast and The Furious, The Italian Job, Charlie’s Angels, sono solo le recentissime punte di una deformazione dell’immagine cinematografica che ha un risvolto barocco in ogni genere, dall’azione (pensiamo al ridondante e paradossale inseguimento di Terminator III sullo stile di Matrix) al comico (la metafisica stanza bianca del Dio Morgan Freeman in Una settimana da Dio).
Kill Bill si inserisce perfettamente all’interno di questa tendenza ed anzi la esalta: i coreografici combattimenti mozzafiato sono inscenati in un mondo dove le donne sono potenti e invincibili, gestito da una mafia che si impone e si gerarchizza sulla capacità di combattere con la spada (Bill si rifiuta addirittura di uccidere Uma Thurman con una siringa avvelenata mentre è in coma), nel quale non sembra esistere polizia ma splendono tranquilli vialoni di villette a schiera, e che salta senza nessi logici da figure moderne (la moto da strada, il locale giapponese dove si suona punk-rock, la croce rossa) ad atmosfere mitiche ed arcaiche (il noviziato d’altri tempi presso Hattori Hanzo, lo splendido duello sotto la neve con Lucy Liu). Tutto risiede su di un livello fantastico, ma viene trattato  con cruda realtà.
Al contempo, Tarantino canta l’inno di un cinema che non c’è più, parlando con la lingua dei vecchi film popolari italiani e giapponesi, ma come in tutti i suoi film, non c’è malinconia in questo recupero, solo vivace istinto evocativo ed emulativo, un po’ come il cinema di Truffuat guardava quello di Hitchcock.
Ciò che più impressiona è infine un particolare inaspettato: se il mondo immaginato è fantasia che ricalca la realtà e la dialettica delle immagini è, a causa del suo iper-realismo (il sangue che traborda e schizza dai corpi, le teste che volano…), una fumettistica parodia della finzione scenica, la straordinaria attenzione al canale uditivo fa ancor più di Kill Bill un mondo virtuale che investe la platea e la ingloba nello spazio finzionale.
Partendo dal terrificante sparo iniziale e passando per l’enfatizzazione sonora dei pugni, delle sciabolate e delle cadute, le linee di fuga dello schermo si allungano fino alle nostre orecchie, avvolgendoci a tutto tondo.
Non è altro che l’estrema amplificazione dell’interattività nel cinema odierno, la summa estetica di un film che guarda al passato per parlare moderno.
Francesco Rivelli

Volpe Forza Cinque di Pulp Fiction si materializza nelle Vipere.
Mia Wallace: “Ognuna di noi aveva una specialità”
Vincent Vega: “La tua qual’era?”
Mia Wallace: “Lame affilate…”

La sensazione è quella di un progetto plastico e totalmente astratto che prende forma, facendo scaturire botte di colori, forme, suoni, emozioni. La violenza è troppo cruda e visiva, perciò viene assopita in modo superbo (BRAVO TARANTINO!) da strategie quali cartoni animati e prese per i fondelli dei film kung-fu di Hong Kong. Stone in Natural Born Killers aveva fatto la stessa cosa: quando diresse la scena delle violenze paterne su Juliette Lewis, aveva inserito risate meccaniche e riprese filmiche da stupida sit-com.
L’inserimento delle musiche dimostra come il regista sappia non autocitarsi ma allo stesso tempo ripercorra ancora una volta quel filone fatto di soul anni sessanta e grandi voci: non poteva essere più azzeccata Bang Bang (my baby shoot me down) di Nancy Sinatra.
Punto centrale del film è assolutamente un’eroina in tuta gialla a strisce nere e scarpe Onitzuka, che non può neppure essere uccisa da una pallottola nel cranio…
Francesco Flomin

Detrattori e sostenitori sono pronti alla sfida. C'e' chi andra' in estasi e chi si annoiera' a morte. Ovvio, nessuna mezza misura. Eppure, da qualche parte, deve esserci anche un fronte del "ni", disposto a uscire dall'aura di mito che circonda Tarantino e a considerare il nuovo "Kill Bill" senza pregiudizi o aspettative. Proviamo a dare voce a questa silente porzione di pubblico. E' vero, il talentuoso regista americano ha scardinato le sicurezze di un cinema parzialmente omologato, imponendo uno stile citazionista e iper-violento caratterizzato da una rigenerante follia narrativa e da una crudelta' ai limiti del morboso (oltre che da un background cinematografico in grado di spaziare con disinvoltura da un genere all'altro). Ma, diciamocelo, e' anche vero che cio' che era una novita' ne "Le iene" e si e' confermato stile, raggiungendo il grande pubblico, con "Pulp Fiction", e' oggi, a sua volta, a rischio di omologazione. Tanti, troppi, i cloni e clone a sua volta l'ultima fatica "Kill Bill", che trova ragione di essere nei continui rimandi cinematografici di cui si compone, configurandosi come un frullato di immagini del non sempre entusiasmante (ma e' questione di gusti) Tarantino-pensiero. Spaghetti western, yakuza film, gangster-movie, cinema trash, rivisitati attraverso una contaminazione con videogiochi, fumetti e cartoons, danno vita a una storia di ordinaria vendetta che assume, solo a tratti, connotati straordinari. L'inizio e' folgorante, con un combattimento tra Uma Thurman-BlackMamba e una delle "Vipere" da punire (Vivica A. Fox) interrotto dall'arrivo della figlioletta di quest'ultima e da siparietti da sit-com, con dialoghi di assurda pacatezza e beep sonori a coprire il vero nome della protagonista. Poi la lunga virata giapponese appesantisce non poco la narrazione e lascia ampio spazio ai tempi morti e alla noia, con una meticolosa perizia citazionistica che esaurisce la sua vitalita' nei modelli di riferimento. Difficile appassionarsi ai pistolotti del maestro Sonny Chiba (icona del tempo che fu) o lasciarsi contagiare dai riti di forgiatura della spada che rievocano un cinema epico e maldestro di cui, non si capisce bene per quale motivo, si dovrebbe sentire nostalgia. Per non parlare dei tanti combattimenti, ben girati ma alla lunga ripetitivi e debitori di coreografie (il solito Yuen Woo-Ping) che da "Matrix" in poi, passando per "La tigre e il dragone", hanno inflazionato la loro carica rivoluzionaria diventando routine. Gli aspetti piu' riusciti restano la rapida ed irresistibile caratterizzazione dei protagonisti (all'autore bastano pochi tratti per rendere un personaggio interessante), la non piu' originale, ma molto divertente ed efficace, assenza di linearita' del racconto e l'abilita' in una messa in scena dove nulla e' casuale e arriva con chiarezza allo spettatore. Niente utilizzo del digitale, ma una tecnica sofisticata e quanto mai diversificata che unisce stili diversi per crearne uno personale. Discorso a parte per la colonna sonora, cui si deve la riuscita di molte sequenze e che ha una valenza quasi narrativa, perfetta sintesi della macedonia di generi al sangue alla base del film. Poi c'e' lei, Uma Thurman, la musa del regista, colei che ha reso necessario, causa gravidanza, il posticipo delle riprese. Da sempre sopravvalutata, si cala con convinzione nella sposa assetata di vendetta: a volte bellissima, a volte bruttissima, a volte dolce, a volte feroce, a volte scattante, a volte indolente, a volte luminosa, a volte cupa, sempre, comunque, in sintonia con la visione del regista. Quanto ai famosi comprimari, la miracolata Lucy Liu sembra uscita da un travestimento per le Charlie's Angels, ma non le si chiede molto altro, la rediviva Daryl Hannah e', per ora, poco piu' di una comparsa e di David Carradine si vedono solo le mani. Ma siamosolo al primo volume e l  mini-enciclopedia sara' completata a febbraio, grazie a una campagna promozionale della potente Miramax che, cavalcando la moda dei film a puntate e dilatando l'attesa allo spasimo, ha creato un vero e proprio evento mediatico. Sicuramente e' il Dio Denaro ad avere ispirato la suddivisione in due parti, ma c'e' da dire che un unicovolume di quasi quattro ore avrebbe rischiato di essere indigeribile, visto che gia' la prima puntata non scorre proprio inleggerezza. Si attende quindi, con moderato fermento, il secondo e conclusivo capitolo.
Luca Baroncini (da www.spietati.it)

Caleidoscopio di generi , di suggestioni visive, sonore, iconografiche, dai fumetti ai cartoni animati, dallo spaghetti western italiano alle orientali pellicole di arti marziali; la grande giostra del cinema tarantiniano si è rimessa in moto, e mai quanto in questa occasione non conosce confini geografici, di contenuto, di stile. Per il suo film più autenticamente di genere l’autore “di culto” degli anni ’90 sceglie il tema classico della vendetta. E sceglie, come di consueto, una narrazione che stravolge l’usuale linea cronologica di accadimento degli eventi, assurta ormai a cifra fondamentale ed immediatamente riconoscibile del suo stile sin dai tempi de “Le iene”. Per cui lo spettatore è immediatamente catapultato all’interno degli eventi, attraverso un incipit al fulmicotone dove la splendida ed agilissima protagonista Uma Thurman ingaggia una lotta all’ultimo sangue con una donna di colore, interrotta dal ritorno improvviso da scuola della di lei figlia; ma la vendetta non si farà attendere troppo. Attraverso questo meccanismo Tarantino tiene immediatamente desta l’attenzione dello spettatore, salvo poi spiegare l’antefatto a giustificazione di quel primo episodio. Fino a qui niente di nuovo, un’enorme quantità di pellicole di genere, americane e non, adottano il medesimo stratagemma. Ma non si tratta d'un elemento di debolezza del film, tutt’altro.
Come detto il regista recupera meccanismi, vezzi, caratterizzazioni del cinema di genere in toto, ed approdato ormai alla quarta opera possiamo sostenere che il suo cinema si ponga l’ambizoso obiettivo, secondariamente al principale che resta quello di divertire, di nobilitare la tradizione storica di tutta quella fetta di cinema immeritosa dell’appellativo “d’autore”. Ormai tutti conoscono la passione smodata e spesso esplicitata dall’autore stesso per i polizziotteschi, gli spaghetti-western, i film di kung-fu eccetera, e la leggenda dell’adolescente che, come gestore d’un videonoleggio, passò anni a divorare queste poco note pellicole. Ed allora come negare che l’obiettivo della sua opera sia analogo a quello portato avanti attraverso la sua casa di distribuzione, che restituisce allo splendore del grande schermo lavori di autori underground (Jack Hill) o sconosciuti negli States (Mario Bava)? Appare dunque normale che egli utilizzi i medesimi meccanismi di creazione della suspense che da giovane imparò a metabolizzare. I riferimenti più espliciti del film sono evidentemente orientali, le scene di combattimento, che monopolizzano gran parte degli avvenimenti narrati, vedono l’utilizzo di molti strumenti da taglio, coltelli, spade, ma anche lotte corpo a corpo, il tutto reso ancora più affascinante dal fatto che i corpi che si affrontano sono quelli di splendide fanciulle, la Thurman e le sue tre rivali, mentre il personaggio del titolo in questo primo episodio non fa che fugaci apparizioni.
Litri di sangue, arti mozzati, plasticità dei movimenti, ed i personaggi che diventano delle maschere, delle macchiette, decisamente fumettistici e caratterizzati “con l’accetta”, nel senso di connotarli attraverso pochi ma efficaci elementi. Un’inversione di tendenza rispetto al precedente “Jackie Brown” dove si dava risalto al lato umano dei protagonisti. Ora Tarantino si riappropria di tutto il suo immaginario, come e forse più di quanto fece ai tempi di “Pulp Fiction”, infatti qui appare addirittura un episodio di cinema d’animazione che narra la tragedia che convinse la giovane orientale (Lucy Liu) ad entrare nella squadra delle “Vipere”. Impressionante la mole dei riferimenti, sui quali ognuno può sbizzarrirsi a suo piacimento. A me sono venuti in mente, tra gli altri, molti cartoni animati nipponici, da Ken Shiro a Occhi di gatto, Charlie’s Angels (il telefilm), e una citazione fin troppo evidente nell’uso della colonna sonora; gli squilli di tromba e le epiche melodie della parte centrale del film non possono che provenire direttamente dal cinema di Sergio Leone. Non si deve cadere nell’errore di pensare ad un calderone assemblato alla bell’e meglio, l’impronta personale del regista (sin dai titoli di testa, con il celebre logo di ieniana memoria della sua “A Band Apart”) ed il suo controllo sulla messa in scena sono indiscutibili. Certo il film non ha una vera e propria conclusione, ed un giudizio ponderato potrà essere dato solo dopo avere visto il secondo volume, ma credo tutti gli spettatori fremano per sapere che ruolo che giocherà il Bill del titolo e l’esito della vendetta di Black Mamba-Uma Thurman. Da questo punto di vista l’obiettivo del film può dirsi raggiunto. E non si può nemmeno contestare l’eccessivo protrarsi delle scene di combattimenti, assolutamente inverosimili, dove la bionda protagonista affronta e sconfigge un’orda interminabile di uomini; pensate alle pellicole di Spencer e Hill, basate nella loro interezza sulle celebri scazzottate. Tarantino è coerente fino in fondo con la sua idea di cinema, forse come mai aveva fatto in passato. L’influenza più evidente, quella orientaleggiante, origina l’accostamento con un film tra poco sugli schermi (visto in concorso a Venezia) di Takeshi Kitano, la più occidentale delle opere del maestro nipponico, Zatoichi.
Certo, si tratta di autori che possiedono marcate differenze, ma non si può negare un’evidente radice comune d’immaginario, negli zampilli di sangue sgorganti dai vari arti mozzati, nei lunghi combattimenti. Non voglio riferirmi ad una banale globalizzazione dell’immaginario, al contrario parlo di un tessuto comune di riferimenti che mischia cinematografie di diverse provenienze e di diverse qualità (nessuno può mettere in dubbio che Kitano sia autenticamente un autore), dimostrando come la grande arte non sia l’espressione di esigenze e suggestioni meramente locali, legate ad una determinata cultura. E dimostrando come il cinema possa assurgere a straordinario strumento di diffusione della cultura e della conoscenza. Tutto il cinema.
Mauro Tagliabue

C’è chi ha parlato di capolavoro assoluto, chi di summa del genere “exploitation”, chi di straordinario omaggio a generi cinematografici fra i più disparati. C’è chi ne elogiato la forma scintillante e lo stile accattivante, chi addirittura ci ha ravvisato significati e contenuti profondi, riflessioni apocalittiche sulla violenza e sulla superficialità di chi ne fa uso.
Il quarto film di Quentin Tarantino, a cinque anni da Jackie Brown, esce dopo un’attesa lunghissima con una precisa responsabilità: dimostrare, dopo due film “giocattolo” e uno che costituiva uno “scherzetto” in tono minore, che il ragazzo onnivoro cinefilo è cresciuto, è maturo, ha finito di divertire soprattutto se stesso ed è in grado di mettere il suo grande talento al servizio di un film vero, di un concetto da esprimere, di un’etica, di un contenuto.
Ebbene, al di fuori di sterili dibattiti generali tra post-modernisti, modernisti e classicisti, il film di Tarantino sfugge completamente alla responsabilità cui è chiamato, caratterizzandosi come la più auto-compiaciuta delle sue opere, straordinaria sul piano della vorticosa commistione di generi, citazioni e riferimenti culturali, ma anche come la più intensamente fine a se stessa, o peggio, al suo autore.
Frullando suoni, immagini, luci ed ombre il ragazzo del Tenessee crea sequenze straordinarie, come l’intero episodio nel locale giapponese, come l’iniziale scontro tra Black Mamba e Testa di Bronzo o come altre piccole gemme sparse qua e là, spesso visivamente straordinarie, speso orchestrate e coreografate come degli irresistibili balletti (e ci riferiamo soprattutto ai divertentissimi combattimenti, che senza effetti speciali digitazlizzati o ritocchi successivi ammiccano ai film di kung-fu e fanno il verso agli scontri di Matrix spazzandoli via però per auto-ironia e ritmo) e soprattutto accompagnate da una colonna sonora strepitosa, anch’essa frutto di un eccezionale lavoro di copia e incolla che non ha eguali nel cinema post-moderno.
Le citazioni si sprecano, visive, come la tuta della Thurman che riprende quella di Bruce Lee in Game of Death (L’Ultimo Combattimento di Chen), viventi, come la presenza di Carradine-Bill, mai inquadrato in volto in questo primo episodio, interprete di molti film di kung-fu negli anni Settanta, cinefilo-registiche, come alcune scelte nel montaggio, nelle luci, nelle inquadrature, addirittura nei titoli di testa, in alcuni stacchi strumentali, che richiamano talvolta gli spaghetti-western, talvolta i B-splatter di cassetta degli anni Settanta, talvolta i sopraccitati kung-fu movies, altre volte ancora il parossistico cinema di Hong-Kong alla John Woo. Tutto mescolato con una geometria mirabile, con un ritmo indiavolato e con una padronanza di ogni genere e riferimento che lascia sbalorditi e giustifica anche quelle trovate “postmoderne”, dallo split-screen agli anime giapponesi, che spesso possono far storcere il naso.  E tutto ciò costituisce lo straordinario “involucro”. E dentro? Ecco il problema. Tutto ciò e l’involucro e tutto ciò è ... tutto. Non c’è altro. Anzi, a volte quello che si intravede è addirittura preoccupante: la violenza efferata e crudele che permea tutto il film è assolutamente gratuita, non ha giustificazioni contenutistiche e regge solo grazie alla sottesa auto-ironia, che a volte, tuttavia, viene meno. E a quel punto il film disturba, apre squarci su una desolante assenza di valori che non appare, purtroppo, come un contenuto elaborato (quanti capolavori costruiti su un messaggio nichilista di assenza di valori?) ma come una caratteristiche della psiche dell’autore, scorretto, a volte, nel colpire lo spettatore con bassezze ingiustificate. Il boss pedofilo? L’infermiere necrofilo? Perché? Quale giustificazione trovano simili elementi? E altre cadute di stile, come il picciotto della Yakuza sculacciato con la katana? Allentano la tensione o fanno cadere le braccia? Si diverte più lo spettatore ad essere maltrattato o Tarantino a colpirlo beffardamente a ripetizione?
Simone Spoladori

Concordo con alcune delle definizioni lette sul sito: Il primo vero capolavoro di questo millennio, al suo cospetto molti altri film diventano d'improvviso vecchi, 'lenti' e scontati.
Critica soggettiva.
Passano i giorni e il film resta lí, le scene non vogliono proprio finire nel dimenticatoio, anzi le scene si affacciano sempre piú spesso nella memoria.. "Bang Bang, Bang bang, my lady shot me down" Merito del regista, della musica (merito del regista che ama com  noi certi riff di chitarra), della scenografia (ancora merito del regista), della sceneggiatura rigorosa (idem) - merito di una stratosferica Uma Thurman, bellissima diva, umanissima diva. Piangiamo con lei il suo immane dolore, amiamo tutto di lei, i suoi occhi, il suo scatto, il suo sorriso da ragazza timida, il suo risveglio dal coma (qui sí che il ralenty è azzeccato, mica come nei combattimenti di Matrix!), amiamo perfino i suoi piedoni (ad occhio diremmo minimo un 43..) ben inquadrati in primo piano. In questo film, ti sorprendi ad appassionarti di Katane e di cartoni animati giapponesi (robe che in altri contesti potrebbero non farti impazzire), riesci anche a ridere e tra le righe ci vedi Quentin che ti strizza l'occhio.
"Bang Bang, Bang bang, my lady shot me down" Pensateci: prendete un qualunque fotogramma di Kill Bill, fatene un poster e appendetelo nella vostra cameretta!
Jean Bodò

… cinema allo stato puro.
Questo e molto altro è Kill Bill, ultima fatica di quel genio e mostro che è Quentin Tarantino.
Genio perché non si può non trovare assolutamente geniali certe intuizioni giocate tanto sulla suspence quanto sulla sorpresa. Mostro perché solo lui a volte sembra capace di tanta crudeltà.
Ma nonostante tutto Kill Bill è un film umile. Non pretende di inventare niente, ma anzi va a pescare stereotipi già visti.
E lo fa sfoderando un sottile quanto perfetto gioco di contaminazione che forse rappresenta il punto più alto della genialità del regista.
Tutto, trama, scenografia, musica, è contaminato. I combattimenti, il sangue, i duelli e quell’insano desiderio di vendetta che anima tutto il film non sono niente di mai visto. Il bello è che si propongono comunque come un’innovazione approfittando di elementi vecchi per dar vita un autentico “nuovo”.
Così per esempio sono i sottofondi musicali alla Morricone che fanno da sfondo a scene di una violenza esorbitante in cui Uma Thurman lotta come un’invasata indossando la mitica tuta gialla a righe nere che portava il re del Kung Fu di tutti i tempi: Bruce Lee. O la ripresa del fumetto manga giapponese che come un flash spiazzante quanto divertente racconta, sempre con tracotante violenza, una storia dentro la storia, quella di Cottonmouth - "Mocassino Bagnato" - una delle giovani e belle assassine di Black Mamba, diventata boss della mafia giapponese, a cui viene persino dedicato l’onore del combattimento finale.
Ogni personaggio, buono o cattivo, ha nel film di Tarantino la sua storia e in realtà è difficile persino riconoscere il male visto che anche le azioni più crudeli vengono vissute con un sentimento pervaso dal senso dell’onore e del dovere. Il dovere della vendetta.
La bellissima quanto agguerrita Uma-Black Mamba ha infatti un unico scopo nella vita. Risvegliatasi dopo 5 lunghi anni di coma deve uccidere i colpevoli: suo marito Bill (reo di aver fatto ammazzare anche la figlia che lei portava in grembo) e il resto della squadra di cui anche lei faceva parte, le "Deadly Viper Assassination Squad", un’organizzazione di killer al femminile.
A poco a poco la bionda protagonista riesce a perseguire il suo scopo e per farlo non si ferma davanti a niente. La cosa buffa è che anche nelle scene più forti e violente il film rimane profondamente ironico e divertente. Il merito và sicuramente alla velocità e all’assurdità di certe scene e ambientazioni ma anche al mix di  elementi opposti e da continui cambi di stili e generi cinematografici.
Kill Bill è il senso di Tarantino per il cinema, un cinema tutto suo, unico e inimitabile costruito sulla base, forse irrazionale, dei gusti personali del regista. Ecco così colonne sonore alla spaghetti western o la musica di uno struggente flamenco fare da sfondo ai combattimenti più cruenti e scene di morte venir consumate nei colori vivaci e allegri di una cucina da tipica famiglia americana, tra i corn flakes e le torte di mele… Irrazionale quanto imprevedibile, Tarantino è questo ma anche molto altro… d’altro canto siamo solo al Volume I.
Giorgia Zamboni